Por qué los artistas firman sus obras

Constantemente oímos noticias de las grandes casas de subastas de arte donde se venden cuadros por cifras astronómicas. Sin embargo nosotros tenemos en nuestras casas cuadros cargados con mucho valor sentimental y al momento de venderlas descubrimos que no valen mucho. Lo que hace que unos cuadros sean más valiosos que otros son los artistas que los hacen y para distinguirlos la firma juega un papel fundamental.

Por qué es importante

PicassoLos artistas saben que, si bien se puede falsificar un cuadro, la firma es como una especie de huella dactilar, más difícil de copiar, y dice mucho del artista que hizo el cuadro. Es por eso que es indispensable que todas las obras estén firmadas antes de salir al mercado para prevenir falsificaciones o confusiones en el futuro. Los expertos en arte son capaces de identificar las firmas reales ayudando así a los coleccionistas a evitar la compra de obras falsas.

Una obra que no esté firmada pierde un poco de su valor o significa que el artista no la terminó. En algunos casos los familiares de los artistas otorgan un certificado de autenticidad para ayudar a que las obras no firmadas mantengan su precio en el mercado.

Tipos de firma

Las firmas comúnmente se encuentran en la parte inferior de la obra, pero también puedes encontrarlas en la parte superior o por detrás del cuadro. Muchos artistas usan su nombre, su apellido y la fecha en que fue elaborado el cuadro aunque otros usan sólo las iniciales.

La firma de un artista puede variar con el paso del tiempo y ese es otro factor que los expertos toman en cuenta al momento de autenticar una obra. Cuando aparecen inconsistencias en el nombre, el trazo o la ubicación de la firma tal vez se trate de una falsificación.

Consejos para artistas

Si eres un joven artista y quieres firmar tus obras de manera correcta ten en cuenta que puedes firmar como quieras, lo que no debes hacer es dejar tus obras sin firmar.

En el momento en que pones tu firma estás diciendo al mundo que la obra está terminada y que puede exhibirse al público. Es importante que tu firma sea clara y siempre la hagas de la misma manera, la consistencia y la legibilidad son puntos a tu favor para identificar tus obras.

El tipo de firma lo escoges tú. Por ejemplo, puedes colocar las iniciales de tu nombre, tu apellido completo y el año, lo importante es que siempre lo hagas en el mismo lugar y que este lugar sea visible. No puede ser muy cerca del borde del lienzo para evitar que el marco la tape después.

Si tienes un blog o página web donde muestres tu arte puedes poner imágenes de tu firma ya que esto ayudará a otros a identificar tus obras.

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Coleccionista de museos

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Hay quienes coleccionan estampillas, monedas, autógrafos, discos, libros, películas e historietas y artículos tan insólitos como bolsas de azúcar. Yo, siendo muy joven, coleccioné museos. Por supuesto no en el sentido literal, pero sí considero que cumplí con los requisitos para que mi visita a varios de los museos más importantes del mundo se pueda llamar una colección.

Los aficionados al coleccionismo tienen como principal objetivo poseer una serie de objetos movidos por su amor hacia lo que se colecciona. Además se añade la sensación placentera que se siente al añadir un nuevo objeto a su lista y ver como poco a poco se va avanzando en esa meta personal.

Si hay algún tipo de coleccionistas con los que me siento identificada es con los coleccionistas de arte; desde niña vi como un lienzo en blanco se volvía una obra de arte en el taller de mi papá y siempre disfrutaba viendo las obras famosos de los grandes maestros de la pintura en los libros de historia del arte. Pero yo tenía un sueño: quería verlos en persona, no a través de los libros.

Primero comencé con lo museos caraqueños. Fui un montón de veces al Museo de Bellas Artes, la Galería de Arte Nacional y el Museo de Arte Contemporáneo. Poco a poco fui incorporando nuevas metas y sin darme cuenta tenía una colección completa de los mejores museos del mundo en mi haber: el Museo del Prado, el Reina Sofía y el Thyssen-Bornemisza en Madrid; el L’ouvre y el Museo D’Orsay en Paris; el Museo Nacional Romano, los Museos Capitolinos y los Museos Vaticanos en Roma, el Hermitage y el Museo Arqueológico de Atenas, la Galería Ufizzi y la Galería de la Academia en Florencia; el Museo Británico en Londres.

Por esa época solía conversar con el ya fallecido experto en arte Willy Aranguren. Era una de las personas más preparadas en arte de Venezuela y conocedor tanto de las obras de talla mundial como del arte venezolano. Con cada viaje que hacía me decía que se sentía maravillado con el hecho de que yo, siendo tan joven, no desaproveché la oportunidad y visité los museos y vi las obras que él tan bien conocía pero que nunca pudo visitar. Me hablaba de como le encantaría ir a ver esos cuadros él mismo, no a través de los libros.

Uno no puede traerse nada de un museo excepto las postales de la tienda, fotos y recuerdos. Coleccionar museos es atesorar vivencias.

Cómo vender arte en internet – consejos para artistas

No soy artista plástico, pero tengo experiencia vendiendo arte. En 2006 inicié este blog con la idea de aprovechar el potencial del internet para promover la obra de mi padre el pintor venezolano Gregorio Camacho y en este artículo quiero compartir mis experiencias sobre como vender arte en internet.

Si eres un vendedor ocasional, un coleccionista que necesita vender algún cuadro en un determinado momento, te recomiendo que leas Cómo vender obras de arte – consejos para coleccionistas; mientras que si eres un artista, una galería o alguien que constantemente vende arte recomiendo leer este artículo.

Algunas aclaratorias antes de empezar: No busco vender cuadros de otros artistas, no hago avalúos de obras por internet (aunque mandes la foto), no compro obras de arte para revenderlas. No tengo contactos influyentes en galerías de arte dentro o fuera de Venezuela ni el artículo trata de como lograr que las galerías vendan tus obras. Sólo quiero compartir lo aprendido con quien lo necesite.

Mi propuesta va orientada hacia el emprendimiento, utilizando el internet con el fin de crear una galería virtual para conseguir tus propios clientes con los siguientes ingredientes: buenas obras + buenas fotografías + blog + redes sociales + venta en sitios especializados.

Si eres un artista que quieres darte a conocer el internet es una herramienta excelente para mostrar tus obras. Aquí menciono algunos puntos importantes para tener presencia en internet.

BUENAS OBRAS

Antes que nada debes asegurarte que tienes una cierta de cantidad de buenas obras ya que esa será la base de lo que mostrarás a tu público. ¿Qué se considera una obra buena? Eso es algo muy subjetivo, sólo el artista puede saber cuándo está terminada una obra. ¿Qué cantidad? Eso también dependerá del artista, lo importante es que todas las obras que muestres tengan todas la misma calidad que tendrían si las fueras a exhibir en la pared de una galería de arte.

IMAGENES

Una vez que tengas un grupo de obras terminadas es el momento de comenzar con la creación de tu portafolio virtual. Las imágenes son de suma importancia en internet ya que son los elementos más compartidos por los usuarios de redes sociales y por lo tanto hay grandes posibilidades de que si tus obras son respaldadas por unas buenas fotografías sean compartidas en internet por los entusiastas del arte. Para ello te recomiendo el tutorial Fotografiar arte y que hagas una buena sesión de fotos tuyas junto a tus obras, durante el proceso creativo o en algún lugar que te identifique.

BLOG O PÁGINA WEB

La creación de un blog o página web es de suma importancia para mostrar tu obra en internet ya que será como tu hogar virtual en la red y será el sitio donde se encontrará toda la información necesaria para quienes quieran saber más de ti y tu obra. Éste será el centro de tu galería virtual.

Te recomiendo leer el artículo Diferencias entre página web y blog para ver cual es el formato que más te conviene. Personalmente uso WordPress.com en su versión gratuita y me ha funcionado bien. Si te decides por esta opción te recomiendo la lectura del tutorial Blog nuevo, ¿qué hacer?.

La idea del blog es tener un sitio donde publicar tu biografía, las fotografías de tus obras, en que te inspiras para crear, próximas exposiciones y todo tipo de información relevante para tu carrera. Puedes ampliar más sobre este tema en el artículo Crea tu blog y vende más arte.

Tener un blog no es fácil y tampoco es la fórmula mágica que hará que tus ventas se disparen de la noche a la mañana. Abrir una cuenta y aprender a gestionarlo es sencillo, mantenerlo es lo difícil, pero tener presencia en internet vale la pena. Puedes leer más sobre este tema en Por qué todo artista debería tener un blog.

REDES SOCIALES

Ya tienes tu blog nuevo, pasan los días y no recibes visitas. Pues te digo que los visitantes no llegarán solos, tú tienes que dar a conocer tu nuevo blog y el primer lugar para darlo a conocer entre tus amigos y familiares es Facebook. Con las fotos de tus obras publicadas en tu blog y toda la información necesaria para contactarse contigo puedes abrir cuentas en las principales redes sociales e interconectarlas con tu blog para dar a conocer tu página y por lo tanto tu carrera artística. La idea es que publiques con frecuencia sobre tus actividades, nuevas obras e información de interés y eso aparezca en tus redes sociales. Poco a poco irás haciendo una red de seguidores que también darán a conocer tus obras en las diversas redes. ¿Qué otras plataformas puedes usar? Además de Facebook es conveniente tener una cuenta en Twitter y en el caso de las artes visuales es bueno tener una cuenta en las redes que están orientadas a la parte como visual como Flickr, Pinterest o Instagram.

SITIOS ESPECIALIZADOS

En el caso de nuevos artistas también es recomendable anunciarse en sitios dedicados a conectar a los artistas con los compradores como la web española Artelista.com o Etsy donde puedes mostrar tus obras a un público interesado en el tema pagando un porcentaje cuando se produce la venta. En este punto recomiendo la lectura del artículo Cómo poner precio a tu arte.

CREAR Y SOCIALIZAR

Es fácil entrar en internet pensando que sólo será por un momento y darte cuenta que pasaron 2 horas y todavía tienes muchas cosas pendientes por hacer. Buscar un equilibrio entre la creación de nuevas obras y la promoción es una de las claves del éxito para ser un artista 2.0.

Fotografiar o pintar, he ahí el dilema

Siempre he creído que todos venimos al mundo con una habilidad especial y que es nuestro deber encontrar para qué somos buenos y potenciar aún más esa habilidad. Tal vez algunos sean más aventureros que otros, algunos tienen habilidad para los números y otros para los deportes; no importa cual sea la actividad que quieras realizar hay algunos detalles importantes a la hora de escoger un hobbie o una profesión. Encontré este excelente artículo del fotógrafo Fernando Sánchez para los que les gustan las artes visuales y están indecisos entre si dedican a la pintura o a la fotografía. No incluí la foto que tiene el artículo originalmente porque me parece oportuno colocar en su lugar dos imágenes de Gregorio Camacho el cual se dedicaba a la pintura y a la fotografía por partes iguales utilizando ésta última como herramienta para sus creaciones al óleo sobre paisajes urbanos como el de la construcción de la Estación del Metro Chacaito en Caracas.

No hace mucho tiempo la pregunta que titula este artículo, ¿Fotografiar o pintar?, era una duda que tenían quienes querían preservar un momento único que pasaba frente a sus ojos. Hoy en día casi no tiene sentido, pues la gran mayoría apuesta por la cámara por su facilidad inmediatez y ahora con los teléfono inteligentes la capacidad de compartir el instante que capturamos a las redes sociales. A pesar de que la cantidad de personas que tienen la capacidad de hacer una fotografía sobrepasa considerablemente a los que pintan, no se pueden desvincular la una de la otra, sólo que ahora tienen fines distintos.

A continuación el artículo de Fernando Sánchez.

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“Los pintores han tenido siempre la obligación de representar la realidad tal como era. Los clásicos griegos y romanos alcanzaron la perfección en todas las bellas artes, desde la escultura hasta la pintura, desde la Victoria de Samotracia, por poner un ejemplo tardío hasta las inolvidables pinturas de El Fayum.  Después vino la noche de los tiempos, como gusta denominar a algunos la Edad Media de forma errónea, y se perdió el realismo en el arte (igual la religión tuvo algo que ver). En el Renacimiento, cuando empezó a aflorar el arte clásico en las excavaciones, se alcanzó el apogeo del realismo, y obras reconocidas por todo el mundo como La Gioconda de Leonardo da Vinci o El Moisés de Miguel Ángel, hacian confundir la realidad con la obra del artista. Una anécdota referente a la figura que presidiría la tumba del papa Julio II cuenta que Miguel Ángel le arrojó el cincel para forzar a la estatua a hablar.

Un buen artista era aquel que conseguía mostrar la realidad tal cual era. Pero con el paso de los siglos ese realismo se conviritó en la mayoría de los casos en una muestra de virtuosismo más que de arte. Para los grandes era poco menos que una limitación para expresarse. A los pintores se les pagaba para reproducir los objetos bellos o idealizar a las personas que posaban para ellos. Pocos o ninguno podían expresar sus sentimientos o su forma de ver las cosas con libertad. El único que se atrevió, después de toda una vida pintando a los reyes y a los nobles, a plasmar lo que sentía (y por ello fue tildado de loco) fue Francisco de Goya y Lucientes, que se atrevió con sus pinturas negras a expresar sus sentimientos.

Con el nacimiento de la fotografía en 1826 por obra y gracia de Nièpce y su presentación al mundo en 1839 de la mano de Daguerre, los pintores se vieron liberados del realismo y pudieron profundizar e investigar en sus forma de ver las cosas. Turner y los impresionistas que vendrían después debieron ver a la fotografía como su salvadora, pues les permitió crear una nueva forma de ver el mundo, sin tener que estar sujetos a una representación fiel de la realidad que les rodeaba.

El arte del siglo XX no sería igual si la fotografía no hubiera existido. De la misma forma, si la fotografía hubiera aparecido antes, nuestra historia sería otra. La fotografía tuvo la obligación, al principio, de ser un mero registro de la realidad, era un dispositivo que reproducía los objetos tal como eran para poder ser estudiados, sin la obligación de tener que estar en el mismo lugar. Y este hecho físico, que al principio se vio sólo como una ventaja, es el hecho difrenciador de la fotografía respecto a la pintura. La fotografía obliga a que el sujeto esté en el mismo lugar del objeto; la pintura, gracias a la plata (o ahora al silicio) puede surgir de la imaginación o del recuerdo. Yo puedo pintar la estatua de la Libertad sin haber estado en Nueva York, pero jamás la podré fotografíar sin coger el avión desde mi ciudad y desplazarme a la ciudad de los rascacielos. Salvo que haga trampas como hacer una foto de una foto o de una escultura.

Por eso no tiene sentido elegir una forma de expresión u otra. La pintura, gracias a la fotografía, es más libre que nunca, y no necesita la experiencia del lugar. La fotografía, entendida de manera pura, exige la presencia del yo en todo momento. Susan Sontag siempre habla del estigma del turista que solo hace fotos para enseñar a los demás que ha visitado o ha estado en tal sitio. Pero es que es algo que confirma a la fotografía como lo que es, el único arte que debe hacerse en el momento por el propio autor.

Si prefieres quedarte en casa, hazte pintor o escultor. El fotógrafo es quien viaja. Y es de lo más apasionante.”

Vía | altfoto.com

Fotografiar arte

En este blog se exhiben algunas de las obras en óleo sobre tela de Gregorio Camacho que fueron tomadas por mi. No soy experta en fotografía, por lo que para hacerlo investigué algunos consejos sobre el tema y finalmente conseguí varios puntos importantes a tomar en cuenta. Si eres un artista y quieres dar a conocer tu obra en internet el primer paso es tener unas buenas imágenes de tu obra, así que lee los siguientes consejos que pueden aplicarse tanto para cuadros como para esculturas o instalaciones.

Cómo fotografiar obras de arte

La cámara

Para este tipo de fotografía no es indispensable una cámara profesional ya que la mayoría de cámaras digitales sirven perfectamente.

La iluminación

La iluminación es probablemente el punto más importante y difícil de manejar. Necesitamos un espacio bien iluminado, con luz homogénea, difusa y de una sola tonalidad. Es necesario evitar lugares con varias fuentes de luz de distintos tonos porque alterarían el color de la obra a fotografiar. Además, la obra tendrá que situarse delante de un fondo neutro, sin colores (gris, negro o blanco). En mi caso siempre tomé las fotos de día, cerca de una ventana pero sin que le de la luz del sol directamente al cuadro.

Cuanta más luz mejor, siempre que ésta sea homogénea y difusa. Aunque la luz artificial es más fácil de controlar, también se puede utilizar luz natural siempre y cuando se realice la fotografía en un espacio interior muy luminoso y no en el exterior. Si vamos a utilizar luz artificial es conveniente iluminar la obra desde ambos lados para evitar brillos y reflejos, procurando que la luz no incida directamente en la obra.

Si la luz fuera escasa, podemos utilizar el flash de la cámara (aunque el flash suele ser muy fuerte y genera brillos y contrastes muy acusados). Si utilizáramos el flash, un truco para difuminarlo y suavizarlo sería taparlo con uno varios papeles blancos translucidos (una servilleta de papel nos podría servir).

Posición y encuadre

Para realizar la toma, colocaremos la cámara enfrente de la obra, paralela a ésta y a la misma altura. Es muy recomendable disponer de trípode o en su defecto de algún soporte o lugar donde depositar la cámara para no tener que sostenerla a la hora de realizar el disparo. La distancia desde la que tendremos que disparar es aquélla que nos permita un buen encuadre y que permita llenar casi toda la fotografía con la obra. Si tu cámara dispone de zoom óptico, ajústalo a la mitad de su recorrido, que es donde trabajara mejor. En cambio si el zoom es digital, déjalo al mínimo.

Ajustes de disparo

Aunque la cámara disponga de la posibilidad de ajustes manuales, puedes también probar los automáticos puesto que a menudo dan mejores resultados. La guía de usuario de nuestra cámara seguramente especificará qué pre-ajuste automático es el que mejor funciona para cada tipo de fotografía.

Si nuestra cámara dispone de disparo con retardo y tenemos un trípode o algún lugar donde dejarla, usaremos el disparo con retardo, que nos permitirá evitar lo que en fotografía se denomina trepidación. De esta forma, no moveremos la cámara y la fotografía saldrá más nítida ya que no intervendremos en el disparo.

Tanto si usamos ajustes automáticos como manuales, hemos de tener en cuenta que estos ajustes están principalmente destinados a la realización de una fotografía estática y que, por lo tanto, no necesitamos una fotografía de exposición rápida. Esto significa que podemos ajustar los valores de apertura del diafragma que más nos interesen e irnos, en este caso, a una apertura intermedia (apertura de la cámara que usemos), que es con la que mejor se suele trabajar. 

Hay que tener en cuenta que si usamos aperturas muy grandes podríamos encontrarnos con alguna parte de la fotografía desenfocada. Y si usamos aperturas muy pequeñas, el largo tiempo de exposición podría dar lugar a ruido en la imagen o resaltar diferencias de iluminación en la obra.

Formato de archivo:

Es importante configurar la cámara de modo que guardemos la fotografía con la máxima calidad posible. La gran mayoría de cámaras fotográficas digitales permiten grabar en JPEG de varias calidades: hay que escoger el de mayor calidad y tamaño. En mi experiencia es bueno tomar las fotos con buena calidad pero que no sean tan pesadas ya que una página web o blog con fotografías muy pesadas tarda mucho en abrir y la gente no entrará. Si las fotos se van a imprimir si es necesario que tengan buena resolución, así que lo que hice es tomar las fotos dos veces: las que son para imprimir en alta resolución y las que son para internet en baja resolución.

Proceso digital:

Una vez hemos realizado la fotografía hay que tener en cuenta que siempre queda pendiente una parte de procesado digital. Puesto que estamos fotografiando una obra real para intentar reproducirla lo más fielmente posible, los pasos de procesado que llevaremos a cabo no serán como los que se usan en otros campos.

– Enfoque y nitidez

La mayoría de programas de edición de imagen (como Photoshop) permiten ajustar y mejorar el enfoque y la nitidez de una toma. Si el resultado no fuera claramente nítido, podríamos valernos de estos programas para mejorar el enfoque y la nitidez aunque no es conveniente abusar de ellos.

– Corrección de color y niveles

La corrección de color y niveles pueden alterar la fidelidad del resultado, pero la mayoría de programas tienen ajustes automáticos que pueden utilizarse a modo de prueba. En algunas ocasiones pueden hacer que la imagen sea más fiel al original.

– Recorte

Cuando se hace la fotografía, normalmente el cuadro o la obra de arte no encaja perfectamente en la imagen e incluso puede tener un marco que no deseamos que aparezca en la fotografía. Es por ello que necesitamos recortar la imagen para que aparezca solamente el cuadro o la pintura.

– Guardar el resultado

La imagen resultante hay que guardarla en un archivo JPEG. Hemos de tener en cuenta un par de cosas importantes: los JPEG pierden calidad así que es importante no guardar la imagen sobre sí misma, sino como un archivo nuevo. Además, si se trabaja siempre sobre el original y se guarda como otro archivo, no se acumularán pérdidas de calidad. Por el contrario, si siempre se abre y guarda el mismo archivo, cada vez que éste se guarde irá perdiendo calidad. El formato JPEG permite elegir la calidad. Hay que guardarlo con la máxima calidad posible.

También recomiendo la lectura de Cómo fotografiar arte de Ártica

Fuente | Artelista.com  

Fotografías hechas con óleos y música

Martin Klimas pinta con música haciendo lo que a mi juicio es una reinterpretación tridimensional de Pollok. Con su cámara capta el momento en que la música mueve la pintura que está sobre un lienzo colocado sobre un altavoz donde suenan a todo volumen ritmos percusivos. Con música de Karlheinz Stockhausen, Miles Davis or Kraftwerk crea una obra de arte que podría responder a la pregunta que muchos nos hacemos acerca de cómo se ve la música. Luego de seis meses y más de 70  litros de pintura el resultado son estas impresionantes fotografías.

 

Fuentes | Fotografías que visualizan el sonido

Que forma tiene la música

La piedra Rosetta

La milenaria cultura egipcia ha despertado curiosidad y fascinación desde siempre y ha sido objeto de numerosas investigaciones para descifrar los enigmas que se ocultan en sus templos y las tumbas de los faraones. Pero no fue hasta el descubrimiento de la Piedra Rosetta que se pudo descifrar el enigma de la escritura pictográfica egipcia, mejor conocida como jeroglíficos. La piedra tiene grabado un decreto de Tolomeo V, del año 196 antes de Cristo, en 3 idiomas: jeroglíficos egipcios, demótico y griego antiguo.

Fue descubierta en 1799 por los franceses aunque posteriormente los ingleses, conscientes del importante descubrimiento, se adueñaron de la piedra y la enviaron a Londres. La egiptomanía ha existido desde siempre, pero 20 años después Jean-François Champollion fue quien descifró el enigma de los jeroglíficos dando origen también a la egiptología o el estudio de la civilización egipcia desde el punto de vista científico.

Desde 1802 se exhibe en el Museo Británico y, junto con los frisos del Partenón, constituye una de las piezas más valiosas preservadas en este museo.

Artista convierte libros en esculturas

El artista norteamericano Brian Dettmer transforma libros de gran tamaño que son modificados para producir la escultura. Dettmer corta capa por capa, de forma precisa, produciendo arabescos que son dibujados o decorados para producir una filigrana de grandes dimensiones dándole, así, un nuevo uso a esos grandes tomos que fueron desechados pero que ahora pueden ser apreciados otra vez como obras de arte.

Hace un buen tiempo escribí un artículo titulado Arte ecológico donde mostraba alguna de las propuestas sobre arte hecho con materiales de desecho. Ahora, debido a una mayor conciencia ecologica de las personas y unido al deseo de los artistas de experimentar con nuevos materiales conseguimos muchas más propuestas interesantes en esta materia.

The March of Democracy

Health and Longevity

An Incomplete Education

Compiled Upon A New Plan

The Encyclopedia of Architecture

Links:

http://briandettmer.com/

Brian Dettmer Flickr

Via.

Balzac y Rodin unidos por el arte

BalzacHonoré de Balzac fue un escritor francés del siglo XIX famoso por sus novelas donde describe la sociedad de su época. Luego de vivir una infancia desdichada, estudiar derecho por orden de su padre e intentar dedicarse al negocio de la impresión de libros, se dedica de lleno a la escritura logrando escribir cerca de 95 novelas y numerosos relatos cortos, obras de teatro y artículos de prensa en tan solo 20 años. Sus novelas no sólo buscan describir los estereotipos de la sociedad de su época sino que son abundantes las descripciones sobre lugares, mobiliario, arquitectura, vestimenta y todo el entorno donde se desenvuelven los personajes. Los detalles son muy  importantes para recrear en la mente del lector el ambiente donde se desarrolla la escena.

Monumento a BalzacResulta paradójico que una persona que prestó tanta atención a los detalles haya sido inmortalizada con una escultura que carece de estos.

Casi cincuenta años después del fallecimiento de Balzac se le encomienda al escultor francés Auguste Rodin la tarea de inmortalizar al escritor con una escultura. Rodin comienza los preparativos, investiga, estudia y analiza al personaje que debe plasmar y finalmente presenta un boceto en yeso que se encuentra en Museo d’Orsay. El boceto causa controversia: el Balzac de Rodin tiene una indumentaria simplificada, con un acabado que parece sin terminar y sólo se ve su rostro que mira al cielo. Las ideas de avanzada de Rodin no fueron entendidas por la gente de Paris que hubiera preferido algo más realista donde se le representara con los objetos que acompañarían al escritor: mesa y libros. En lugar de eso esta escultura, demasiado innovadora, no buscaba representarlo a él sino que quería se un símbolo de sus ideas y su obra.

La construcción de la estatua fue aplazada y no fue sino hasta 1939 que se realizó el bronce final que Rodin nunca llegó a ver.

En Caracas había una copia de dicha estatua al lado del edificio del Ateneo de Caracas que, como muchas otras cosas, fue un símbolo de cultura del pasado y luego fue descartada y removida del lugar. De pequeña, al observarla, no le encontraba lo bello, no me parecía una cosa digna de admirar. Luego comencé a leer a Balzar y a conocer más sobre Rodin y finalmente entendí la importancia de la obra. Para quienes visitamos la zona de Bellas Artes en los ’90 y principios de la década del 2000, era algo natural ver la escultura ahí. Hace años que ya no está, pero permanecerá en el recuerdo de quienes visitábamos ese eje cultural del música, arte y cultura.

 

Minimalismo

Con la premisa «Menos es más», el minimalismo busca reducir a lo esencial el arte, la música, la arquitectura o la decoración. En el blog Una mirada al arte encontré una excelente investigación que explica muy bien el concepto:
El concepto Minimal Art fue acuñado por Richard Wollheim en 1965 y apareció, por primera vez, en un artículo suyo titulado de este modo que publicó en la revista Art Magazine. En aquella ocasión, el crítico aplicó el término a obras muy diversas, ya que con él hacía referencia tanto a pintu­ras abstractas como a esculturas propiamente minimalistas o a ciertos ready-mades de Duchamp. No es extraño que la obra de Marcel Duchamp pareciera aludida en el contexto minimalista, pues el artista francés había sido pionero en llevar a la práctica lo que podría llamarse «belleza de la in­diferencia».
Con el transcurso del tiempo, la denominación Minimal Art ha prevalecido sobre toda una serie de conceptos ligados a las manifestaciones de los artistas que trabajaron en su seno -como ABC Art, Literalismo, Arte reduccionista, Estructuras Primarias, Cool Art, The third Stream u Objetos Específicos
Algunos links interesantes sobre el tema:

 

Cómo vender obras de arte – consejos para coleccionistas

Por ser hija de un pintor y tener este blog sobre arte mucha gente me pregunta como puede vender sus cuadros y es por eso que decidí hacer este artículo. Algunas veces los coleccionistas de arte se ven en la necesidad de vender sus obras para obtener un poco de dinero y no saben cómo hacerlo.
Si eres un vendedor ocasional este artículo puede serte útil; si eres un artista o alguien que constantemente vende arte recomiendo leer el artículo Cómo vender arte en internet – consejos para artistas.
Antes de comenzar quiero aclarar que no busco vender cuadros de otros artistas, no compro obras de arte para revenderlas, no hago avalúos de obras por internet (aunque mandes la foto), sólo quiero compartir lo aprendido con quien lo necesite.

Para los coleccionistas lo principal es conocer bien qué las características de la obra que desean vender. Información como el nombre del artista, el año en que fue hecha la obra y la técnica empleada es información importante que puede influir en el precio de la venta y por supuesto que esté en buenas condiciones. Si no estás seguro de estos datos aquí están algunas ideas que podrán ayudarte:

22. Bodegón - Camacho
Obra de Gregorio Camacho

1 – LA FIRMA

La firma es una de los aspectos más importantes en un cuadro ya que es lo que certifica que la obra pertenece a determinado artista. Si no conoces el nombre del artista que realizó la obra puedes revisar si está firmada. Algunos artistas utilizan sus firmas reales, mientras que otros hacen uso de un monograma o símbolo que un artista adopta a modo de firma. La firma muchas veces está en la parte inferior de la obra, otras veces está por detrás del cuadro. Si la obra no está firmada puede que el artista no haya terminado la obra o que ésta sea una falsificación. ¿Porqué es importante saber el nombre del artista que realizó la obra? Porque de ahí dependerá el precio en que podrá venderse. Cada artista está ubicado en una categoría de valor donde las obras de algunos, como Picasso, valen millones de dólares. Para saber más de este tema puedes leer Por qué los artistas firman sus obras.

 2 – AVALÚO

Teniendo el nombre del artista puedes revisar en internet otras obras del mismo artista para comparar en que precio se vendieron. Si no se está seguro del artista o el precio de una obra el método tradicional es ir a una galería de arte donde gente experta le dirá el valor de la misma. Lo usual es que si desea el avalúo por escrito se cobre un porcentaje del valor de la obra, si sólo lo quiere en forma verbal es gratis. De todas maneras es bueno decir que el precio de una obra puede variar dependiendo del artista, del estado en que esté el cuadro y del año en que lo haya realizado porque ciertos artistas cotizan en el mercado a precios más altos que otros.

Muchas veces la gente ofrece en venta obras de arte a precios exorbitantes, quienes estén al tanto de los precios sabrán que el precio justo es mucho menor y por lo tanto la obra no se venderá, así que a la hora de colocar el precio para la venta hay que ser sensatos ya que las obras de arte son un artículo que siempre se revaloriza pero no podemos pretender venderlas en una suma exagerada.

 3 – EL ESTADO DE LA OBRA

Lo primero es ver en qué estado está la obra, si esta deteriorada conviene averiguar si es necesario hacer una restauración con un profesional antes de venderla. Otro aspecto importante, en el caso de los cuadros, es el marco: un cuadro se ve mejor con un marco en buen estado mientras que un marco poco agraciado le resta buena imagen a la obra. Hay quienes la venden sin marco, lo cual muchas veces es mejor para el comprador porque así le coloca un marco adecuado a la decoración del lugar donde se va a colocar.

4 – DÓNDE VENDER

Las Galerías: además de hacer exposiciones las galerías de arte también reciben obras para ofrecerlas a su clientela. Por lo general son recibidas en consignación y cuando son vendidas el vendedor cobra una cantidad estipulada de mutuo acuerdo. Es importante saber que las galerías de arte tienen su especialidad, por ejemplo: las hay que sólo venden arte abstracto y moderno, o las que se especializan en figurativo y en maestros de trayectoria. Si, por ejemplo, usted tiene una obra de arte abstracto la recibirán más fácilmente en una galería que se especialice en esa tendencia.

Casas de Subastas: antes de continuar me gustaría hacer una aclaratoria. Mucha gente tiene el concepto errado de que llevar una obra de arte a una Casa de Subastas es como llevarla a un remate en donde la pieza se venderá por una ínfima cantidad de su precio original. Si observamos lo que ocurre en esas grandes casas de Subastas de Londres o Nueva York las obras no sólo se venden en el precio justo sino en mucho más, y no estoy hablando sólo de cuadros de algún artista famoso sino de cualquier obra subastada allí. Las Casas de Subastas hacen el avalúo de la obra y si usted está de acuerdo con el precio se procede a subastarla. Si la obra se vende, la Casa de Subastas cobra un porcentaje del precio final de venta. 

Internet: en el caso de las ventas de arte por internet existen numerosos sitios donde se puede vender arte. Para ello lo más importante es tomar una buena foto por lo que este tutorial puede ayudarte. Es conveniente explicar muy bien las características de la obra a vender de manera que los posibles clientes estén seguros del tipo de obra que se ofrece. Por lo general los sitios de internet cobran un porcentaje del valor de la obra vendida. Hacemos un llamado a la prudencia a la hora de comprar o vender y leer los instructivos sobre cómo vender o cómo realizar una venta segura que ofrecen los sitios de venta por internet.

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Recuperar tesoros antiguos

Es conocido por todos que los museos de grandes ciudades del mundo como Londres, Paris, Berlin, tienen en sus colecciones reliquias históricas del antiguo Egipto, Mesopotamia, Babilonia, Asiria, Grecia y Roma así como de América.

Los paises de donde proceden las reliquias últimamente han hecho grandes esfuerzos por recuperar piezas de gran valor no solo monetario sino histórico y artistico.

Por ejemplo Egipto intenta recuperar la Piedra Roseta que está en Londres en el Museo Británico y que fue la clave para descifrar los jeroglíficos egipcios y el Busto de Nefertiti que se encuentra en el Museo Neues de Berlín. Ésta es una de una larga lista de antigüedades y obras de arte en disputa.

Grecia tiene varios años en conversaciones con el Museo Británico para recuperar los frisos del Partenón que es el monumento más representativo de la ciudad de Atenas y de la cultura griega y el Cilindro de Ciro, una pieza que se remonta a siglo VI a.C. y es considerada la primera declaración del mundo de los derechos del individuo pertenece a Iran y que también está en el Museo Británico, pero las conversaciones para su devolución no parecen fluir muy bien.

El Museo del Louvre por su parte también alberga una gran colección de arte egipcio y helénico que es cuidadosamente mantenida y que se exhibe a miles de turistas anualmente que de otro modo no hubieran podido apreciar este tipo de obras.

La controversia está en si es mejor que éstas antigüedades estén en un museo o en sus países de origen donde es más difícil el acceso a los turistas por cuestiones religiosas, políticas, económicas e inclusive por el idioma.

Video: Cómo fabricar óleo

Excelente video que enseña sobre fabricar óleo del Departamento de Extensión del Museo Thyssen en Madrid.

Un día en El Partenón

 

Caminar por Plaka, en Atenas, es como estar en una máquina del tiempo. En medio de las tiendas, restaurantes y de la muchedumbre ávida de comprar, uno se puede sentir trasladado hacia el pasado al ver en lo alto de la acrópolis el Partenón e imaginarse cómo habría sido vivir allí siglos atrás. Plaka que es una de las zonas más visitadas por los turistas debido a su cercanía con la Acrópolis. Allí se consigue todo lo que un viajero pueda necesitar: hay muchos hoteles de todos los precios y para todos los gustos, cientos de tiendas con miles de recuerdos y con vendedores que hablan casi todos los idiomas y restaurantes que ofrecen, mayormente, comida griega además de todo tipo de bebidas

Los hechos que a continuación narro ocurrieron un día de julio de 2008 cuando viajé a Atenas junto con la Orquesta Sinfónica de Venezuela ya que ofreceríamos una serie de conciertos en esa ciudad. A pesar de que era un viaje de trabajo y que en nuestro cronograma estaban pautados varios ensayos, tuvimos momentos libres en los que pudimos salir a conocer la ciudad. Estaba pautada una visita guíada al Partenón donde habría un guía que nos explicaría sobre la historia del lugar. Como siempre me ha gustado la historia y el arte ese era un paseo que no me podía perder. El hotel estaba muy cerca de la entrada del Partenón, así que el día de la visita nos fuimos caminando; eran las 10 de la mañana, pero había una temperatura de 28º C propia del verano en ese país.

No sé desde hace cuanto tiempo es así, pero la Acrópolis es como un gran parque temático de la antigüedad: en la entrada hay que comprar unos tickets que sirven sólo para entrar al Partenón y si se quiere visitar otros monumentos hay que comprar otros tickets. Una vez adentro empieza el trayecto de subida a la cima de la montaña, son las 11 de la mañana y la temperatura ya está en 30º C. Nuestro guía explica: “Los griegos de la antigüedad construían las ciudades en lo alto de una colina de manera de poder defenderse del enemigo en caso de guerra, esto es lo que se conoce como acrópolis. En la parte más alta de la acrópolis de Atenas se encuentra El Partenón, templo dedicado a la diosa Atenea que, además de darle el nombre a la ciudad, es su protectora.”

Hay muchos turistas subiendo. Delante de nosotros hay un grupo de la tercera edad que sube pero lo hacen muy lentamente por lo que debemos detenernos varias veces a esperar. Mientras tanto al guía le da tiempo de explicar: “El Partenón es un templo que se construyó en el siglo V entre los años 448 y 438 a.C bajo el mandato de Pericles para sustituir un templo anterior que había sido destruido por los persas. Los arquitectos Ictinos y Calícrates, supervisados por Fidias, utilizaron el mármol blanco como principal material para la construcción de este templo que contenía una escultura de la diosa Atenea de 12 metros de altura hecha de oro y marfil y adornada con relieves de diversas figuras, que ahora está perdida, pero cuya descripción hace Pausanias en el siglo II a.C.”.

Seguimos subiendo. Ya son las 12 del mediodía y creo que hay como 35º C, o eso parece, y ya no escucho al guía por el calor y el cansancio. Luego de subir varias decenas de escalones, tal vez cientos, por fin vemos unas grandes columnas que se elevan varios metros sobre las cabezas de los visitantes y que no soportan ninguna construcción sobre ellas. Andamios por todos lados indican trabajos de restauración en progreso para estas columnas llamadas propileos o ante puertas que nunca fueron terminadas pero que tenían el objetivo de indicar al visitante la importancia del lugar al que se está entrando. Una vez en la cima aparece, majestuoso, aunque muy golpeado por el tiempo, el templo de Atenea. Nos encontramos otra vez con grúas y andamios para restaurarlo y para entorpecer las fotos de los cientos de turistas que suben, bajan, toman fotos en todas direcciones, comentan, filman videos, revisan sus guías de viaje, se fotografían entre ellos, en fin, todo es bullicio y actividad pero siempre tratando de captar la esencia y el más mínimo detalle del lugar y tratando de imaginar cuan asombroso debe haber sido para las personas de su época estando este monumento en todo su esplendor.

Todo turista busca llevarse un recuerdo del lugar visitado, además de las postales y souvenirs, mi recuerdo más preciado son las fotos. Tomé muchas fotos del Partenón desde todos los ángulos, tomé fotos de Atenas ya que desde la cima de la acrópolis se puede ver la gran extensión de la ciudad, le pedí a un compañero que me tomara una foto con el Partenón al fondo (la del Facebook), yo tomé fotos a otros, y en ese momento sentimos que todo el esfuerzo y el calor valieron la pena.

Tiempo después me enteré, mientras visitaba el Museo Británico en Londres, que el frontón se encontraba adornado por esculturas alegóricas de temas mitológicos como centauros los cuales fueron removidos en el siglo XIX por Thomas Bruce, Conde de Elgin, y llevados a Inglaterra donde se exhiben en la actualidad por el Museo Británico siendo tema de polémica ya que, aunque la intención original era protegerlos de la intemperie, el gobierno griego piensa que es mejor que estén en Grecia y no en Londres.

Regreso a Caracas y sigo fascinada por el Partenón y su historia. Investigando en los libros de historia del arte de la biblioteca de mi papá consigo que El Partenón fue hecho para deslumbrar a la gente de su época como una muestra del poderío de Atenas que por aquel entonces era la ciudad más importante de todas las ciudades-estado griegas. En 1687 Atenas estaba dominada por los turcos quienes utilizaron el templo como depósito de pólvora estando sitiados por los venecianos quienes dispararon una bala de cañón que cayó dentro del templo provocando la explosión de la pólvora que estaba depositada allí ocasionando graves daños a la estructura del mismo. A pesar de no conservar su esplendor original El Partenón hoy en día continúa asombrándonos y nos hace pensar cómo pudo ser construida esta obra de tan colosal tamaño con las herramientas tan simples que se usaban en la antigüedad.

Originalmente construido como templo para la diosa Atenea, luego usado como iglesia bizantina y como mezquita el Partenón sigue siendo una de las edificaciones antiguas más famosas y el símbolo de Atenas por excelencia.

Figurativo, ¿o no?

El pasado fin de semana fui a la Fería Iberoamericana de Arte (FIA) a ver lo que está de moda en el mundo de la plástica venezolana y latinoamericana y debo decir que la exposición estuvo muy bien organizada, no tengo ninguna observación en cuanto a logística y cualquier otro aspecto de índole administrativa, pero si quiero hacer una reflexión:

Observé que, aproximadamente, el 90 % de los estilos que se exhibían en la feria eran de tipo moderno, abstracto, conceptual, cinético, para resumir: no figurativo. Algunas galerías del extranjero mostraron cuadros figurativos pero más bien hiper-realistas y solo una galería tenía cuadros de los maestros venezolanos cuyo enfoque no es ni tan abstracto ni tan fotográfico. Mi pregunta es: la mayoría de los compradores de arte ¿realmente desean comprar obras contemporáneas?, ¿será genuino ese gusto o será impuesto por quienes venden o quienes producen el arte?. Lo anterior lo pregunto ya que en la música sucede lo contrario,  cuando se toca alguna obra contemporánea el público no llena ni la mitad de la sala y cuando se interpretan obras de Beethoven, Mozart o algún otro compositor europeo de gran renombre la sala se llena. ¿Por qué el gusto por lo contemporáneo en las artes plásticas y no en la música?

No quiero decir que no me guste el arte no figurativo, o que no deba producirse o venderse, o que la gente no deba comprarlo, pero me pregunto: ¿la obra de Camacho tendría buena acogida entre los galeristas o los coleccionistas de arte actualmente? o ¿es que para tener una carrera artística exitosa se debe pintar lo que está de moda y no lo que el artísta decida por voluntad propia?

Flores, es una obra de Gregorio Camacho